vi piace x halloween?
fatta io :3
fvesca fvesca

@gl0finnn @Crisi_Esistenziale @Ciaoscrivocose @novizio ecco a voi la leggenda del crocifisso di Donatello e di Brunelleschi

Giorgio Vasari, nel suo celebre tomo Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori (edizione del 1550, ampliata nel 1568), narra un famoso aneddoto sulla creazione di due crocifissi da parte di Donatello (da ora in poi D.), che illustrano il suo genio artistico e la sua capacità di rappresentare la realtà umana con realismo. La riporto dalle parole del Vasari (con qualche adattamento per chiarezza, ma senza alterare il contenuto originale):

D., scultore fiorentino del XV secolo, ricevette l'incarico di scolpire un crocifisso per la chiesa di Santa Croce a Firenze. Quando presentò l'opera ai frati del convento, uno di loro, un giovane novizio, osservò che il Cristo raffigurato sembrava un semplice contadino crocifisso, con un corpo robusto e muscoloso, più adatto a un lavoratore dei campi che a un Salvatore divino. D., con la sua arguzia tipica, rispose: "Se Cristo fosse stato un contadino, sarebbe apparso proprio così; ma poiché era Dio, la sua forma era perfetta e divina".

I frati, insoddisfatti, chiesero a D. di creare un'opera più raffinata e spirituale. L'artista, per dimostrare la sua maestria, scolpì allora un secondo crocifisso destinato alla chiesa di San Domenico a Bologna. Questo secondo crocifisso rappresentava Cristo con proporzioni più eleganti, un corpo più slanciato e un'espressione di sofferenza più idealizzata, in linea con le aspettative religiose dell'epoca. Vasari commenta che entrambi i crocifissi erano capolavori, ma il primo evidenziava il realismo rivoluzionario di D., ispirato alla natura umana, mentre il secondo mostrava la sua capacità di adattarsi a stili più classici.

Questa leggenda sottolinea il contrasto tra realismo e idealizzazione nell'arte rinascimentale, e Vasari la usa per elogiare D. come innovatore che rompeva con le convenzioni medievali, rappresentando figure umane con autenticità derivata dall'osservazione diretta della vita quotidiana. I due crocifissi esistono ancora oggi: quello di Santa Croce è nella Cappella Bardi, mentre quello di Bologna è nella Basilica di San Domenico.

E voi mi direte "e che cazzo c'entra Brunelleschi?", beh un altra versione della leggenda dice che fieramente D. andò da B. per mostrargli la sua opera di cui andava molto fiero, ma B. con tutto il suo liberalismo gli disse "Donato, hai messo un contadino in croce?" e allora abbastanza offeso D. gli lanciò un guanto di sfida, che Brunelleschi testardo come pochi raccolse e con tutta la calma del mondo si mise a fare un suo bel crocifisso, poi una volta finito invitò D. a mangiare da lui, gli diede appuntamento al mercato vecchio (piazza stra bella di firenze) e B. si mise a fare compere, poi diede tutto in mano al povero D. e gli disse di iniziare ad andare a casa, dove quel furbone di B. aveva preparato tutto un bell'allestimento con tanto di luci adatte per far sbalordire D. e ci riuscì,

La lettera d'amore di FragonardQuesto dipinto mi ha sempre colpito soprattutto per la sua dolcezza, al di la dello stile pittorico e della
resa tecnica.
La luce che entra dalla finestra avvolge la scena come un abbraccio, creando un momento intimo e quasi sognante, come un istante racchiuso in una sorta di "bolla" di calore e delicatezza.
Il soggetto è una ragazza seduta alla scrivania, con una lettera davanti a sé. Non sappiamo se l’ha già letta o deve ancora farlo, ma comunque sia il suo volto appare ravvivato, illuminato da una scintilla d'emozione . È un momento così naturale che sinceramente trovo anche difficile descriverlo a parole: l’unica cosa che riesci a fare è guardare la sua espressione e ritrovarti a sorridere anche tu.
Il bello è anche come l' artista riesca a rendere visibile quell’attimo di gioia così privata. Il tutto senza servirsi di, non so, gesti teatrali o pose maestose: basta la luce, la postura e lo sguardo.

Questo quadro, come molti altri del rococò, non vuole stupire con grandi eventi o scene storiche, ma catturare la magia dei momenti più piccoli e sinceri della vita quotidiana e questo in particolare trovo ci riesca alla perfezione, tutto è come se ti invitasse a sentire quell' emozione assieme alla ragazza.

"La zattera della Medusa" divenne immediatamente un enorme successo, alternando critiche positive a feroci commenti di condanna. A seguito della prematura scomparsa del pittore a soli trentatré anni nel 1824, l’opera venne acquistata dal Louvre dove si trasformò in un’icona del Romanticismo capace di influenzare le carriere di artisti come Delacroix (che io confondo sempre con Géricault), Courbet e Manet. In "La zattera della medusa" Théodore Géricault decide di rappresentare il momento più drammatico vissuto dai superstiti durante la tragedia. I protagonisti del quadro sono infatti al dodicesimo giorno di deriva e intravedono all’orizzonte l’arrivo della Argus. Grazie alle colossali dimensioni della tela, inoltre, i soggetti in secondo piano vengono resi in scala reale, mentre i corpi straziati dall’immensa fatica che l’occhio dello spettatore incontra per primi risultano essere quasi doppi rispetto alla loro grandezza naturale. Tra le tante figure è possibile identificare un anziano che sostiene il corpo di un figlio ormai morto, un uomo in lacrime per la frustrazione e un gruppo di persone purtroppo non sopravvissute e ora in attesa di essere trascinate via dal mare. A fare da contraltare a una così grande drammaticità, però, vengono inseriti sulla parte opposta del dipinto dei segnali di speranza. I naufraghi hanno infatti notato in lontananza l’arrivo di un battello amico, che infonde nei loro muscoli la vitalità necessaria per richiamare l’attenzione. Dettaglio che spesso sfugge, ma che io ho impresso nella mia mente fin dalle medie: il calzino sul piede di uno dei corpi in basso alla base della piramide, simbolo costante dell'umanità che rimase in quei poveri viaggiatori abbandonati e costretti a cose disumane.

Da un punto di vista stilistico, Géricault ricorre a una composizione su due strutture piramidali e contrapposte che conferiscono all’opera un grande dinamismo verticale. Lo sguardo di chi osserva viene indirizzato sui punti focali del quadro: la nave all’orizzonte, la figura centrale che sventola il panno e l’ammasso di corpi senza vita che testimonia la portata della tragedia. La tavolozza del pittore spicca per i pigmenti pallidi e dominano i colori scuri che ambientano la scena in un’atmosfera tetra e tragica in cui la luce all’orizzonte è l’unico segnale di una flebile speranza di salvare la propria vita dopo quasi due settimane alla deriva.

La zattera di Medusa (su consiglio di @codeine)Oggi vi ammetto che il livello di scopiazzamento da Harper's BAZAAR è davvero elevato, quinti oggi non mi prendo meriti. Però è un dipinto troppo bello che doveva essere valorizzato nel migliore dei modi.
Dipinta da Théodore Géricault nel 1819 con l’obiettivo di affermarsi come uno dei migliori pittori del suo tempo, "La zattera della Medusa" ha come soggetto un evento storico che durante il periodo di realizzazione stava godendo di grande risonanza internazionale.

Nel giugno del 1816 la fregata francese Méduse era partita da Rochefort in direzione Senegal insieme ad altre tre imbarcazioni per accertarsi che l’Inghilterra stesse rispettando gli accordi del trattato di Parigi. Il comandante della spedizione non aveva grande esperienza con la navigazione: dopo aver ordinato di aumentare la velocità dell’imbarcazione per ridurre tempi e costi dell’iniziativa, la sua nave si incagliò in un banco di sabbia a più di 150km dalla Mauritania.
L’intero equipaggio dovette iniziare un viaggio di fortuna a bordo di scialuppe di salvataggio. Centinaia di viaggiatori si trovarono costretti a salire a bordo di una zattera che inizialmente venne trascinata dalle barche. Dopo la rottura della fune, però, fu abbandonata al suo destino per dodici giorni, fino all’arrivo del battello Argus.
Sulla zattera si verificarono episodi di una violenza e i superstiti si diedero al cannibalismo pur di sopravvivere. Una volta diffusa la notizia sui quotidiani, l’evento generò forte imbarazzo nella monarchia di Francia, al tempo restaurata da solo un anno, dopo la sconfitta di Napoleone.Consapevole dell’opportunità di ricevere grandi attenzione grazie a un quadro con soggetto un evento così traumatico per il suo paese, Théodore Géricault decise di incontrare alcuni dei sopravvissuti alla grande tragedia del 1816. Chiese inoltre a dei falegnami di costruire per lui un modello della zattera e osservò da vicino il mare in tempesta lungo la costa francese. Suggestionato dalla ferocia dei racconti, il pittore poté così stabilire il tono drammatico di "La zattera della Medusa" che ha come punti di riferimento alcuni dipinti dei grandi maestri italiani osservati durante i tanti viaggi nel Belpaese. È infatti possibile notare grandi somiglianze con il "Giudizio universale" di Michelangelo nella Cappella Sistina e con la "Trasfigurazione" di Raffaello oggi conservato nella Pinacoteca vaticana.

(continua nei commenti)

come direbbe un noto personaggio della storia del novecento: "è il momento delle decisioni irrevocabili"

allora a parte le minchiate: proponetemi che opera d'arte dovrei analizzarvi oggi😝😝 (ho finito le idee e non penso vogliate una lezioncina sulla prospettiva dello spedale degli innocenti)

vb intanto vi esco questosn disegni che poi dovrò dipingere su un quadretto
metto arte boh

SONO FIERISSIMO.Ho usato delle puntine e dei fermacampioni (rompendoli) come borchie

Ma quanto spacca questo sfondo che c'è durante l'accesso al giocom È stra spaccato, prullo a sinistra sembrano @belial o @poetamaledetto
C'è CODM sta facendo un botto di skin con questo stile è sono stra belle.Lo metto in arte perché oggettivamente è spaccato anche se non l'ho fatto io.

yaoi metaforico ke voi ankora nn potete kapire..
me lo contate come halloween si no perfa voglio il badge

raga aiuto ho fatto qst cover e mi fa morire pk ha tt i moans sembra un porno troppo funny

Ho guardato un attimo fuori dalla porta e, a quando pare, c'è la fine del mondo Vi assicuro che non ho modificato la foto in nessun modo

Finito porca zozza posso andarmene a dormire 🚶🏻‍♀️

prima volta che è più difficile trovare le foto xhe scrivere il testo
La Cappella Brancacci è un posto incredibile dove vedere due stili diversi di pittura: quello di Masolino e quello di Masaccio. Sono come due mondi a parte!(non c'è mezza fottutissima immagine dio, è quello in alto a dx)

Iniziamo con il Peccato Originale di Masolino. Questo affresco è come una miniatura medievale, con figure allungate e pose eleganti. Adamo ed Eva sono rappresentati come due modelli in posa, con i loro corpi snelli e i visi dolci. La scena è ambientata in un giardino lussureggiante, con alberi e fiori che sembrano dipinti con la precisione di un orefice. Il serpente è rappresentato come un essere sinuoso e seducente, che tenta Adamo ed Eva con la sua bellezza. La composizione è armoniosa, con linee curve e movimenti sinuosi che guidano l'occhio dello spettatore attraverso la scena.E poi c'è la Cacciata dal Paradiso di Masaccio. Questo affresco è come un pugno nello stomaco. Le figure sono solide, tridimensionali, con muscoli e ossa. Adamo ed Eva sono rappresentati come due persone reali che stanno vivendo un dramma. Sono nudi, con i corpi tesi e i visi stravolti dal dolore. L'angelo che li caccia è rappresentato come una figura imponente, con ali grandi e una spada fiammeggiante. La scena è ambientata in un paesaggio desolato, con rocce e alberi spogli che sembrano enfatizzare la disperazione dei due protagonisti. La composizione è drammatica, con linee diagonali e movimenti bruschi che creano un senso di tensione e di movimento.(Adamo ed Eva disperati di Masaccio)
(l'immagine del confronto risulta unsafe…ok?)

È come confrontare un manoscritto miniato con una scultura di Michelangelo! Masolino è più raffinato, più elegante, mentre Masaccio è più grezzo, più realistico. Masolino dipinge come se stesse raccontando una storia, mentre Masaccio dipinge come se stesse mostrando la realtà.(Angelo si Masaccio)

In sintesi, la Cappella Brancacci è un posto dove vedere due stili diversi di pittura, due modi diversi di vedere il mondo. Masolino e Masaccio sono come due facce della stessa medaglia, due artisti che hanno lasciato il loro segno nella storia dell'arte. La loro opera è un esempio di come due artisti diversi possano creare due capolavori unici eppure complementari.

Vi ricordate questo disegno?
Bene oggi l'ho fatto in 3D, pensavo fosse complicato invece è stato una cazzata tranne forse per la rientranza che vedete, però ho cercato un tutorial e poi sono riuscito.

Iniziato mesi fa ma non ci dedico mai tempo devo assolutamente finirlo prima di partire 🧍🏻‍♀️

v piac

Oggi più che concentrarsi sul dipinto in se vorrei accentuare il soggetto e la storia dietro a questo dipinto:
Conosciuta anche con il nome di “Ragazza col turbante”, l’opera di Vermeer risale circa al 1665 e raffigura il volto di profilo di una ragazza giovane e molto bella, ma dall’identità enigmatica, che punta il suo sguardo direttamente all’interno di quello dello spettatore, incoraggiandolo quasi a seguirla e a cercare di carpire i suoi misteri. Come accade osservando la Mona Lisa, l’impulso è quello di lanciarsi in un’indagine alla scoperta dei segreti celati dietro quel volto dal pallore etereo, sul quale spicca un orecchino di perla. La ragazza è rappresentata con un turbante blu e un orecchino di perla. La luce che la illumina è soffusa e delicata. Il dipinto è stato realizzato nel XVII secolo e rappresenta un esempio di "tronie", un genere di pittura che raffigura personaggi in costume storico o esotico. La ragazza del dipinto sembra persa nei suoi pensieri e il suo sguardo è enigmatico. L'orecchino di perla è un simbolo di purezza e castità, ma potrebbe anche essere solo un accessorio elegante.

Tra coloro che si sono imbarcati in questa indagine, lo studioso Graham-Nixon ha recentemente elaborato una sua personalissima ipotesi sulla reale natura del dipinto, teoria frutto dei numerosi anni trascorsi tra gli archivi di Deft, cittadina natìa di Vermeer, da cui è scaturito il saggio Vermeer: A Life Lost and found, che fornisce un preciso ritratto dell’artista olandese (una figata da leggere, se si è appassionati). Nel saggio Dixon suggerisce che l’identità del soggetto andrebbe fatta risalire a Magdalena van Ruijven, figlia del ricco mecenate Pieter van Ruijven, uno dei principali compratori delle opere di Vermeer. Al tempo in cui l’artista dipinse Ragazza con l'orecchino di perla Magdalena aveva appena dodici anni, il che spiegherebbe la freschezza e l’aura di innocenza della protagonista del ritratto
A partire dal nome, la scelta del soggetto avrebbe una forte valenza allegorica, riferendosi alla figura biblica di Maddalena, “la santa peccatrice” accolta tra le grazie di Gesù Cristo, simboleggiata spesso dall’orecchino di perla. A nutrire questa interpretazione sarebbe anche la documentata appartenenza del pittore olandese a una frangia religiosa radicale, anti-calvinista, denominata “setta dei collegiali” e che aveva tra i propri punti di riferimento proprio il personaggio biblico di Maddalena.
Se la teoria di Nixon fosse confermata e l’identità della Ragazza con orecchino di perla svelata definitivamente, tuttavia, sorgono spontanee alcune domande. In che modo cambierebbe la percezione di quest’opera? L’ambiguità che per secoli ha caratterizzato il dipinto e che, è innegabile, l’ha reso stuzzicante agli occhi del pubblico, andrebbe di sicuro a ridursi, poichè si sa che nell'arte vale la misteriosità del soggetto ancor più del suo status

Progetto mano scheletrica per le collane :3